Zwischen Erde und Himmel: Ein Interview mit Projektarrangeurin Julia Henderson

Karl ist ein langjähriger Freiberufler mit einer Leidenschaft für Musik, Kunst und Schreiben.

Between Earth and Sky ist eine operngeschulte Sopranistin und Arrangeurin von Videospielmusik Julia Hendersons Projekt. Es interpretiert Yasunori Mitsudas legendäre Filmmusik für Chrono Trigger neu. Das Album ist breit gefächert, reist durch viele Musikgenres und bietet talentierte Gastsolisten als Hommage an Mitsudas Musik.

Julia Henderson: Ich habe als Kind immer Musik gemacht. Ich war in mehreren Chören engagiert, spielte Flöte seit der fünften Klasse und entschied mich nach dem Abitur, eine Karriere in der klassischen Musik einzuschlagen. Nach der High School nahm ich mir ein Jahr frei und studierte Musik formell im Privatunterricht. Ich hatte sechs Stunden pro Woche Gesangsunterricht, studierte Klavier, lernte meine gesamte Theorie und machte eine Reihe von Vorspielen. Ich habe einen Bachelor-Abschluss in Gesangsdarbietung von der University of Western Ontario und meinen Master in Musiktechnologie an der University of Toronto gemacht.

Das Anordnen der Videospielmusik begann wirklich aus einer Laune heraus, weil ich ein USB-Mikrofon gekauft hatte, um Twitch-Streams, Rezensionen auf YouTube und ähnliche Inhalte zu machen, aber ich entschied mich, das Mikrofon zu testen und einige zu arrangieren Songs, nimm sie auf und sieh, wie es geworden ist. Ich hatte nicht vor, sie zu veröffentlichen, aber sie sind ziemlich gut geworden, oder zumindest dachte ich das damals. Ich habe einen YouTube-Kanal erstellt und mein erstes Musikvideo im September 2015 hochgeladen. Ich bin sofort in diese erstaunliche Videospiel-Musik-Cover- und Remix-Community gefallen, in der ich gemerkt habe, dass alle so hilfsbereit und einladend waren.

Danach arbeitete ich mehrfach mit anderen zusammen und veröffentlichte in den nächsten Jahren einmal pro Woche oder alle paar Wochen Videos, bevor ich meinen Master-Abschluss machte. Es waren eigentlich die Inhalte, die ich für YouTube produziert hatte, die in das Portfolio für meine Master-Annahme geflossen sind, also war es ziemlich schön, dass sich dort der Kreis schloss.

JH: In Bezug auf klassische Komponisten muss ich Debussy, Sibelius, Rachmaninow und Schostakowitsch sagen. Was die zeitgenössische Musik betrifft, bin ich von Jazz/Fusion, Rock, Funk und Progressive Metal beeinflusst: Thank You Scientist, Devin Townsend, Hiromi und Tigran Hamasyan. Alles mit interessanten Harmonien und wirklich markanten Rhythmen erregt normalerweise meine Aufmerksamkeit. Was japanische Komponisten angeht, bin ich natürlich von Yasunori Mitsuda selbst und auch Yoko Kanno beeinflusst. Sie ist eine große Inspiration für mich, sie komponiert viel für Anime wie Ghost in the Shell und hat einige der schönsten Kompositionen, die ich je gehört habe. Sie ist sehr interessant, weil sie sich in jedem Genre hervortun kann, aber alles, was sie kreiert, ist eindeutig ihr Sound. Ich bewundere jeden, der das kann, während er dem visuellen Medium dient, für das er schreibt.

JH: Ich habe Chrono Trigger nicht gespielt, bis ich in meinen Zwanzigern war. Es geht definitiv nicht um Nostalgie, wie es bei vielen Menschen der Fall ist. Memories of Green war der erste Track, den ich jemals in einem Videospiel gehört habe, der mich dazu brachte, mit dem Spielen aufzuhören, nur damit ich es mir anhören konnte. Es war so eine sofortige Reaktion. Ich wollte weinen. Es war seltsam, denn es ist nicht so, dass dieser Musikstil so großartig orchestriert werden kann wie viele moderne Musik, weil sie mit Samples und Synthese arbeiteten. Die Kompositionen selbst riefen so viele Emotionen hervor, obwohl sie nicht von Menschen gespielt wurden. Normalerweise sind es klassische Musik und bestimmte Darbietungen klassischer Musik, die das für mich tun, aber ich war einfach nur fassungslos, als es in einem Videospiel passierte.

Ich liebe Mitsudas Mischung all dieser verschiedenen Musikstile. Ich kann nicht auf seine Musik hinweisen und sagen, dass es der eine oder andere Stil ist. Es ist stark beeinflusst von progressiven Genres, Jazz, Rock, einigen Funk- und klassischen Musiktraditionen und ist sehr modal. Es ist super interessant! Seine Melodien gehören auch zu den eindringlichsten, die ich je gehört habe.

Von Spinditty

JH: Ich habe versucht, mehrere Stile und Genres in ein zusammenhängendes Werk mit sechs Tracks einfließen zu lassen, das dem Original treu blieb und gleichzeitig sicherstellte, dass mein Musikgeschmack rüberkam und Elemente beibehalten wurden, die in den Tracks ähnlich waren. Meine Stimme und die Flötenparts wurden im selben Studio mit den gleichen Mikrofonen auf den meisten Tracks aufgenommen. Das gleiche Piano erscheint auch auf den meisten Tracks.

Was anders ist, sind all die Mitarbeiter, die ich eingeladen habe, mit mir auf dem Album zu spielen. Ich wollte berücksichtigen, wie sie bestimmte Arrangements beeinflussen können. Es war eine Frage, wie ich ihre spezifischen Fähigkeiten mit dem, was ich in den Arrangements zu bieten habe, kombinieren kann, aber dennoch zusammenhängend klingen lässt.

JH: Patti Rudisil und Peter Anthony Smith (der auf YouTube als Soundole bekannt ist) spielten auf Memories of Green. Ich wusste, dass ich wollte, dass beide auf dem Track erscheinen, was meine Instrumentierung beeinflusste, was bedeutete, dass ich Geige und Klarinette neben meiner Flöte hatte. Das ist nicht wirklich ein Standard-Trio von Instrumenten, aber ich wollte mit diesen beiden arbeiten, also war ich entschlossen, es zum Laufen zu bringen. Ihr Spiel ist so dynamisch und delikat, dass ich wusste, dass der Track eine unvergleichliche Musikalität bieten würde.

Der nächste Track, Battle with Magus, zeigt meinen Partner Lorenzo, der ein ausgezeichneter Metal- und Hardrock-Gitarrist ist. Ich habe tatsächlich einen Ausflug nach BC gemacht. um diesen Track mit ihm zu arrangieren. Lorenzo und ich haben uns hingesetzt und alles gemeinsam entschieden. Wir haben sogar sein Solo zusammen geschrieben. Das war wirklich das einzige Mal, dass ich es nicht aus der Ferne gemacht habe. Mit den anderen Mitarbeitern schickte ich ihnen die Tracks und sagte: „Hier! Hab's drauf."

Ich erwähne auch Carlos Eiene (insaneintherainmusic), der Tenorsaxophon bei Wings That Cross Time spielte. Ich habe das Arrangement für ihn geschrieben, aber ich bin kein Jazzmusiker, daher fühle ich mich manchmal wie ein Betrüger, wenn es um Jazz geht. Es bedeutete viel, sein Feedback zu bekommen.

Abschließend möchte ich noch den letzten Track erwähnen: World Revolution . Für mich ist es ein ganz besonderer Track, weil ich mit einem Google Drive-Dokument, das die Gesangsparts, die Streicherparts, den Click-Track und das Mock-Up enthielt, einen Call-to-Action veröffentlicht habe. Ich sagte, dass die Leute zwei Wochen Zeit hätten, mir ihr Material zu schicken, wenn sie etwas beitragen wollten. Ich habe so eine nette Antwort von den Leuten bekommen. Alle Streicher und Stimmen, die Sie auf diesem Track hören, sind ein virtuelles Ensemble, das es wirklich gut ausgefüllt hat.

JH: Ich wusste für einige der Songs, dass ich Texte schreiben wollte, aber ich war immer vorsichtig mit dem Hinzufügen von Texten, weil es so eine Sache ist, die es schafft oder bricht. Sie können so kitschig sein oder die Emotionen des Tracks beeinträchtigen oder wirklich etwas Besonderes hinzufügen. Ich beschloss, Texte nur zu schreiben, wenn ich das Gefühl hatte, dass sie etwas hinzufügen könnten. Memories of Green, Schalas Theme und Corridors of Time endeten mit Texten. Sie sind nicht wörtlich, sie sind offen für Interpretationen. Ich habe auch Tonnen von Choraufnahmen gemacht. Dafür nehme ich vier oder fünf Spuren jedes Gesangsparts auf, schichte sie alle übereinander und füge Bearbeitungen hinzu, damit sie wie ein größeres Ensemble in einem echten Saal klingen. Das herausragendste wäre Wings That Cross Tim e, wo ich Carlos' Tenorsaxophonspiel mitsingte und sein Spiel diktieren ließ, wie ich darüber sang.

JH: Ich hoffe nur, dass die Leute diese Musik wiederentdecken und vielleicht das Spiel spielen, wenn sie das nicht getan haben. Ich hoffe, dass die Leute darin etwas Besonderes finden, das das Originalwerk verbessert, aber nicht aus ihrer Erinnerung oder ihrer Nostalgie bezüglich des Spiels nimmt. Ich möchte, dass ihre Gesamterfahrung positiv ist. Ich möchte, dass jeder sieht, wie viel Zusammenarbeit es gab, nicht nur mit den Musikern, sondern auch mit dem Art Designer Lorenzo de Sequera, meinem Mastering-Engineer AHmusic und Materia Collective, die das Werk auch veröffentlichten und vertrieben.

AHmusic kommt aus Venezuela, also haben wir während all der Stromausfälle dort kommuniziert. Er hat es trotzdem geschafft, das Album zu meistern und alles pünktlich abzuliefern. Solisten kamen aus Europa, Australien, Asien und ganz Nordamerika. Das Album war insgesamt wirklich eine globale Gemeinschaftsleistung und ich denke, das ist die absolut beste Art, Musik zu machen. Ich hoffe, dass immer mehr Menschen die Macht der digitalen Medien erkennen und was heute in Bezug auf die Musikproduktion und -verbreitung möglich ist.