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Karl ist ein langjähriger Freiberufler mit einer Leidenschaft für Musik, Kunst und Schreiben.
Matt Baum beschreibt seine Musik als Chipwave und sagt, dass er "dunkle energetische Tracks kreiert, die eine Hommage an alte Videospiele und 80er-Jahre-Filme sind". Auf seinem neuesten Album Scars verwendet er "Körperhorror und intergalaktische Kriegsführung als Kulisse, um Themen rund um Lebensübergänge zu erkunden".
Ich habe mit ihm über die Ideen hinter dem Album gesprochen, wie er es produziert hat und wie er seinen unverwechselbaren Chipwave-Sound kreiert.
Matt Baum: Wenn ich schreibe, schreibe ich im Allgemeinen nur Song für Song und finde Inspiration für jeden Song, an dem ich gerade arbeite. Weil ich Songs für ein Album schreibe, die zeitlich ziemlich nah beieinander liegen, gibt es meistens einen unbeabsichtigten emotionalen Bogen, aber dieser Bogen wird mir normalerweise nicht klar, bis ich tatsächlich alle Songs habe fertig und vor mir ausgelegt. Der größte Teil dieses Albums wurde geschrieben, als ich die Auflösung einer zehnjährigen Beziehung verhandelte, daher konzentrieren sich viele der Songs auf diesem Album auf die Themen Konflikt, Übergang und Nostalgie. Ich habe Musik definitiv als eine Form der therapeutischen Befreiung für alles verwendet, was ich zu dieser Zeit in meinem Privatleben durchgemacht habe.
MB: Als ich von UPGRADE kam, wollte ich experimentieren, indem ich etwas "spacer" werde, stärkeren Hall und Delays und einen präsenteren Chip-Bass-Sound hinzufüge, um den Dingen ein düstereres Gefühl zu geben. Die Idee begann, als ich Stranded for the Chiptunes= . schrieb WIN-Compilation-Album "Spacetunes=WIN". .
Von Spinditty
MB: Andere Künstler mögen diesen Ansatz meiden, aber ich setze wirklich nur Chip-Grenzen, wenn es um das Sounddesign einzelner Patches geht, nicht um das Layern und Arrangieren des Tracks als Ganzes. Obwohl der Großteil meines Sounds aus dem Nintendo-Chip 2A03 stammt, beschränke ich mich daher nicht auf das Standard-Vierkanal- + DPCM-Setup. Dadurch kann ich Chip-Sounds auf unterschiedliche Weise überlagern und so voller klingende Arrangements erstellen, als dies auf dem NES tatsächlich möglich gewesen wäre.
Wenn ich jedoch bei diesem einen Chipsatz bleibe und mich selbst herausfordere, bei der eigentlichen Klangsynthese innerhalb der Grenzen zu bleiben, hilft mir, einen charakteristischen Sound beizubehalten und gleichzeitig genügend Freiheit innerhalb dieses Rahmens zu bieten, um einige lustige Dinge zu tun. Ich habe dieses Mal ein bisschen mehr mit meinen Mixen experimentiert und mehr Hall und Stereo-Delays verwendet, um den Tracks auf Scars zusätzliche Tiefe und Breite zu verleihen.
MB: Ich schreibe in erster Linie für mich selbst und konzentriere mich darauf, Musik zu machen, die ich hören möchte. Wenn es anderen auch gefällt, umso besser, aber ich schreibe nicht auf ein bestimmtes Publikum. Ich denke, es ist einfach so, dass das meiste, was mich immer beeinflusst hat – Videospiele, Filme und Soundtracks aus den 80ern und frühen 90ern – für viele Leute, die in derselben Zeit aufgewachsen sind, ziemlich grundlegende Erfahrungen sind eine natürliche Verbindung zwischen der Musik, die ich schreibe, und dem, was die Leute gerne hören. Viele der Themen, mit denen ich mich beim Songwriting auf therapeutischer Ebene beschäftige, sind auch ziemlich universell.
MB: Als ich den Track Scars schrieb, fühlten sich das emotionale Gewicht des Songs und die narrative Struktur des Arrangements für mich so an, als ob es Gesang brauchte und ich suchte nach einer Gelegenheit, mit einem Sänger in der Szene zusammenzuarbeiten. Als ich die Gelegenheit in den sozialen Medien neckte und Leute nach Ideen fragte, wen sie auf einem Track von Watch Out For Snakes singen hören möchten, schlugen mehrere Leute Megan vor und sie selbst antwortete sogar, um ihr Interesse zu bekunden. Ich schickte ihr einen groben Mix des Instrumentals und sie antwortete mit einer erstaunlichen Gesangslinie, die mich sofort verkaufte. Von da an teilte ich einiges von dem, was ich gefühlt hatte, als ich das Instrumental schrieb, sie schrieb darauf basierende Texte und schickte dann die fertigen Vocals für den endgültigen Mix. Die Zusammenarbeit mit ihr war großartig und ich liebe es, wie der fertige Track herausgekommen ist. Mit Rip 'Em Up! , ich gebe zu, ich war ein bisschen stecken geblieben. Ich hatte das Gefühl, dass ich einen großartigen Start für einen Song hatte, aber ich hatte keine Ideen mehr, wie ich ihn beenden könnte. Gregorio ist ein weiterer Künstler aus Atlanta, mit dem ich bei vielen Shows zusammengearbeitet habe und dessen Songwriting und Mixes ich immer respektiert habe . Er grub es aus und antwortete innerhalb von 24 Stunden mit einem erstaunlichen Ende des Songs. Es ist verrückt, wie schnell er sich so etwas einfallen lassen konnte. Von da an war es nur eine Frage, ein eigenes Chip-Solo hinzuzufügen, um Gregs Part zu ergänzen und die Mischung zwischen unseren Parts richtig zu machen. Ich bin stolz auf das Endergebnis, weil es eine so perfekte Verbindung unserer Stile und eine großartige Darstellung der Synthesizer-Szene von Atlanta ist.
MB: Eigentlich ganz einfach - ich hoffe nur, dass die Leute das Album genauso gerne hören wie ich es genossen habe, es zu machen! Jeder hat eine andere Lebenserfahrung, also interpretiert hoffentlich jeder die Tracks auf dem Album auf eine Weise, die für ihn bedeutsam ist.
